Рамы для картин

Изготовление рам для картин

Изготовление резных рам

Классический багет появляется в эпоху Возрождения, когда художники начали писать картины маслом по холсту. Картины приходилось защищать от истирания и неправильного хранения и рама начинает исполнять не только эстетическую, но и практическую функцию. Старинные итальянские рамы во времена Леонардо да Винчи инкрустировались ценными породами дерева, в них даже вставлялись драгоценные камни. Рама сама становится произведением искусства. Мастера, делавшие багет для рам, ставили на багет свой фирменный "товарный знак" или подписывали свои рамы.

С XVI века раме стали уделять огромное внимание, открылось множество мастерских. Каждая эпоха приносила что-то свое в искусство изготовления рам. Оригинальным декором и формой багета отличались рамы Рококо, Барокко, Ампир, Модерн. Постепенно развивается техника выполнения багета, разнообразие декора багета соответствует архитектурным стилям эпох.

Создание рамы требовало большого опыта и длительного периода времени. Это было связано с особенностями технологии изготовления рамы. Сначала мастер задумывал дизайн рамы, затем подбирал древесину для рамы – в ход шли дуб, бук, липа, сосна, ель, орех и фруктовые деревья.

Для рам с резным орнаментом использовались мягкие породы дерева – липа, ольха, сосна и твёрдые – орех, дуб, граб, бук. Резьба часто перемежалась со вставками из слоновой кости, панциря черепахи, бронзовыми накладками. После изготовления резных деревянных рам они передавалась мастерам для золочения : грунтовщик замешивал и наносил левкас, лишовщик – шлифовал, цировщик создавал художественные, объёмные формы по левкасу, полиментщик готовил материал, на который наносится золото и наносил его на резные части рамы, а позолотчик золотил сусальным золотом.

Изготовление рам с лепным орнаментом

В начале 20 века в технологии изготовления рам происходит коренное изменение: производство багетных рам поставлено на поток - рамы из уникальных произведений искусства превращаются в изделия фабричного производства. В отличии от изготовления резных рам, производство багета менее трудоёмко и потому получило широкое распространение. Сегодня именно багет фабричного производства пользуется широким спросом, оставляя профессиональным резчикам лишь работу с шедеврами изобразительного искусства.

Резные рамы изготавливаются из дерева, при этом основа и орнамент составляют одно целое. В лепных рамах – основу составляет дерево, а орнамент выполняется методом накатки рельефа на пасту, предварительно нанесенную на плоскую или профильную поверхность багетной рейки.

Орнаменты, украшающие багет, делаются из специальной пасты. Её точный состав – "секрет фирмы", которая производит багет для изготовления рам. В состав такой пасты обычно входят: мел, казенновый клей, олифа, наполнитель (древесная мука или бумага), пигмент для тона. Паста, выполненная без нарушения технологии, по прочности не уступает кости.

Создание оригинального, сложного багета требует много времени и немалых затрат, при этом доля ручного труда с использованием профессиональных секретов очень велика. В изготовлении багета для рам участвует множество мастеров и специалистов: дизайнеры, резчики, цировщики, грунтовщики, полиментщики, позолотчики. Создание орнаментов, украшающих багет, – работа дизайнеров багетных фабрик.

Хороший багет всегда окрашивается и золотится вручную. Золочение и окраска – трудоемкий процесс, требующий немалого мастерства.

Самое главное в окраске багета – стабильность. От партии к партии багеты одной серии окрашивает один и тот же мастер, многократно обрабатывая багет, чтобы добиться эффекта бронзы, патины, запыления. Есть багеты, раскрашенные акварелью. Есть такие, для которых используется золото, серебро и лак. Один и тот же багет, но из разных партий должен быть окрашен одинаково и ничем друг от друга не отличаться.

Дизайнеры в своих рамах имитируют различные фактуры и материалы (имитация кожи или замши, имитация бамбука, багет с эффектом шёлка, «леопардовый» багет), влияние времени (скопившаяся пыль, растрескавшаяся позолота).

Производители багета предлагают на выбор огромное количество багета различных цветовых оттенков, отличающихся по стилистике и объединенных в серии.

Сегодняшние тенденции в производстве рам достаточно демократичны и зависят только от личного вкуса заказчика, благо выбор большой: от обрамлениия с использованием античных мотивов до тонких реечек, лишь прикрывающих неприглядную кромку холста.

Современные технологии изготовления багета позволили создать огромное количество вариантов обрамления всех стилистических направлений живописи.

Рамы для картин могут быть самых разных цветов. Восприятие рамы слишком тесно связанно с самим восприятием живописи. Один из выразительных приёмов, используемый при оформлении живописи и подборе багета для изготовления рамы — орнаменты и узоры, которые могут составить единый ансамбль с картиной.

Хорошие рамы для картин можно сделать только из деревянного багета.

Развитие новых жанров, появление абстрактной живописи, оказало сильное влияние на манеру обрамления. Многие художники вообще отказались от рамы как обрамляющего элемента.

Доктор искусствоведения,
член-корреспондент Российской Академии художеств
профессор В.С.Турчин.

Картина и рама

Любое изображение, созданное художником, за исключением только древних наскальных рисунков, имеет обрамление. Обрамление - необходимая и важная часть композиции, оно завершает ее, придает единство. Обрамление может находиться на той же плоскости, на которой выполнена и сама живописная или графическая композиция. Оно же может быть создано специально как некая рельефная форма при помощи декоративных, скульптурных и архитектурных элементов. Чаще всего встречаются обрамления прямоугольной формы, несколько реже - круглой и овальной.

Рама помогает выделить живописное произведение из окружающей среды как нечто особенное и достойное внимания, не вместе с тем и связывает его с окружением. Так, если стиль рамы совпадает с художественным обликом, строем и характером интерьера, где находится картина, это способствует цельности ансамбля. В зависимости от цвета, насыщенности декоративными и скульптурными деталями рама значительно влияет на общее впечатление от живописного образа. Все это и позволяет говорить о единстве картины и рамы, где обрамление выполняет, конечно, не главную, но очень нужную функцию.

История искусства показывает, что отношения между картиной и рамой менялись, как менялся сам стиль искусства.

Пути развития станковой живописи были сложными. Какой яркой вехой в ее истории стал переход от средних веков к Ренессансу! Наиболее существенным в нем явилось стремление уйти от застылости и отвлеченности иконного изображения, господствовавшего в средневековье. Примерно в XIV столетии рождается картина в современном смысле этого слова, а вместе с ней появляется и рама, одетая пока еще в кружево готической декорации.

Первые рамы не противопоставлялись полностью всему изображению и не отделялись от него; материалы обоих были сходны, условная позолота фона, например, древнерусской иконы или византийской переходила на обрамление, да и само изображение нередко "выплескивалось" на него. Затем границы между картиной и рамой стали сознаваться все определеннее. Все же как некая память о предшествующих веках у рамы сохранился ее золотой цвет. Когда из живописи исчез золотой фон, обозначавший мир божественного, позолоченность рамы стала восприниматься условно, иными словами - как необходимый атрибут обрамления, помогавший выделять в помещении картину, привлекать к ней взор зрителя. Традиция золочения рам сохранялась долго; она жива и по настоящее время, хотя уже полностью забыта причина ее возникновения.

Когда рама в конце концов приобрела известную самостоятельность, стали складываться особые, ей присущие формы. В пору Ренессанса особенно распространился тип рамы, составленной из архитектурных элементов: капителей, пилястр, полуколонн, карнизов, консолей. Подобная рама сильно напоминала обрамление дворцовых оконных проемов. И если вспомнить, что в то время господствовало представление о живописи как о взгляде в мир через окно, то станет понятно, что рама своими формами весьма ясно намекала на бытовавшее представление и отвечала ему. Эти пышные, торжественные рамы изготовлялись по рисункам художников в специальных мастерских или же помощниками художника, работавшими в его мастерской. Можно представить, как великолепно стиль таких рам согласовывался с архитектурным декором стен, на которых развешивались картины. Другой тип рамы, получивший тогда же известное распространение, напоминал оправу зеркал. В эпоху Возрождения живопись постоянно сравнивали с зеркалом, в котором отражается действительность, и рама, созданная наподобие орнаментальной оправы зеркала, еще сильнее подчеркивала такое сравнение. Эта рама могла изготавливаться не только из деревянных реек и гипса, но и из драгоценных материалов, включая серебро, слоновую кость, перламутр и т.п. Драгоценность материалов словно соответствовала драгоценности живописи, усиливала ее.

С развитием перспективных способов изображения, когда все возрастал эффект правдоподобности в передаче мира красками, у рамы появились сложные и тонкие профилировки - как бы целый ряд небольших ступенек, нисходящих к самому изображению. Понятно, что они помогали глазу зрителя погружаться в мир изображенного, усиливали впечатление глубины, перспективы. Этот прием особенно искусно использовали в голландском искусстве XVII века, когда предпочтение отдавали темного цвета рамам со множеством дробных профилировок.

В том же XVII веке - в искусстве барокко,когда, несомненно, усилилось зрелищное, можно сказать, театрализованное восприятие живописи, рама, в которой своеобразно отразился этот процесс, приобрела богатые скульптурные украшения. На ней изображались лепные и резные гирлянды цветов, различные плоды, раковины, фигурки - путти. В стиле рококо, где особенно ценилась декоративность общего ансамбля, включая и представленную в нем живопись, рамы стали окрашивать в разные тона, соответственно колорита убранства помещения, где находились полотна. Кроме того, сами очертания рам весьма усложнялись. Допускалось даже, чтобы отдельные элементы резьбы заслоняли (пусть и частично) поверхность живописи. Рама стала больше принадлежностью окружения интерьера, чем обрамлением самой картины.

Новые существенные изменения в развитие рамы принес XIX век. Начавшееся увлечение выставочной деятельностью привело к тому, что рамы стали богато и сложно оформляться. Так они словно бы преднамеренно привлекали к себе внимание зрителя, выделяя определенные произведения из многих других. Небольшие же холсты так называемого кабинетного формата, предназначенные для комнат любителя искусств со средним достатком, оформлялись в том же стиле, что и вся мебель тех лет (рамы и делались в мебельных мастерских). Чтобы защитить поверхность живописи от повреждений, ее стали застеклять.

Тем не менее со временем уже не всех художников удовлетворял старый тип рамы, особенно цвет - темный, безжизненный. Потому импрессионисты стали окрашивать рамы в светлые желтые, фиолетовые и розовые тона, гармонирующие с их светоносной живописью. Последователь импрессионистов Ж. Сера даже рисовал рамы - синие бордюры - прямо на холсте.

К концу века началось обновление материалов, из которых изготавливались рамы: стали использовать неокрашенное дерево, аппликации из кожи, никелированную сталь. Рамы отныне выглядели как предметы декоративно-прикладного искусства, оформленные в стиле модерн. И чем более усиливалось значение декоративных элементов в живописи, для того времени типичных, такие рамы все более помогали теперь, как ни парадоксально, и самое живопись превращать в произведение декоративных ремесел.

На этом, собственно, завершается история рам в живописи - в том смысле, что больше уже новых типов рам не создавалось. В начале XX века даже стали раздаваться голоса, призывающие вообще отказаться от рам, как от чего-то слишком материального, "заземляющего" духовность искусства. Различные художники авангардистских направлений, восприняв такие призывы, начали выставлять свои произведения без рам. Однако в результате такого новшества сами их произведения уже переставали быть картинами в тесном смысле этого слова. Это были какие-то "объекты","пятна", зачастую лишенные ясного смысла.

Организующая функция рам, сложившаяся в предшествующие времена, необходима и ныне. И если некоторое время проявлялась и у наших художников инертность в отношении оформления рам (пусть, мол, будет, а какая - не столь важно), то сегодня можно заметить на выставках, что художественно претворенные оформления живописных произведений вновь привлекают повышенное внимание: рамы окрашивают в различные тона, на них нередко помещаются небольшие дополнительные изображения и надписи, живописцам помогают скульпторы, и появляются рамы с богатыми пластическими мотивами. Хотя нет теперь одного стиля в оформлении рам, как было когда-то, но зато есть большее, чем прежде, соответствие рамы индивидуальной манере художника. А это уже немало. "рама и картина" - это тема не только для историков искусства. Это живая тема, имеющая большую актуальность и для самой широкой практики современного искусства, для каждого художника"

Картина

Картина — произведение живописи, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением. Картина — один из наиболее типичных видов станкового искусства. Состоит из основы (холста, деревянной или металлической доски, картона, бумаги, камня), грунта и красочного слоя.

В жизни многое бывает случайно — в картине таких случайностей быть не может, в ней все должно быть завершено, логично.

О. Воронова

Картина — осуществленная мечта художника.

М. Алпатов

Картина — это «силовое поле» красок.

Н. Волков

Лучшее достоинство картины — это когда она является праздником для глаза. Я не хочу этим сказать, что в картине не требуется здравого смысла.

Э. Делакруа

Картины не просто раскрашенный холст, они воздействуют на чувства и мысли, оставляют след в душе, пробуждают предчувствия.

Иоганн-Вольфганг Гёте

Составные части картин на холсте - подрамник и рама.

Стандартные размеры картин

Существуют определенные и упорядоченные размеры, позволяющие классифицировать произведения искусства. В XIX веке во Франции были сформированы стандартные размеры для живописи (The French Standard Sizes for Oil Paintings). В зависимости от жанра живописи форматы разделяются на три категории и распределяются в порядке возрастания: прямоугольный формат, приближающийся к квадрату, называется форматом «фигура»; максимально вытянутый — форматом «марина»; промежуточный — форматом «пейзаж». В зависимости от размера большей стороны, каждому формату присваивается номер. Например, 15F (65x54) , 15P (65x50), 15M (65x46).

Существуют 52 классических российских размера от "15 Х 20" до "100 Х 120" и 50 № международных размеров стандартов "Фигура", "Пейзаж", "Марина".

Современным стандартам соответствует только Рэзен (15 "Пейзаж"). Наиболее употребительными являются Рэзен и Жезю. Старинные форматы стандартных французских холстов, которые все еще используются.

• Клош (Колокол, колпак)
• Тельер (назван в честь канцлера Телье (1603-1685), который ввел его в употребление
• Экю (Щит)
• Кокий (Раковина)
• Рэзен (Виноград)
• Жезю (Иисус)
• Солей (Солнце)
• Петит Эгль (Маленький орел)
• Гранд Эгль (Большой орел)
• Гран Монд (Большой мир)
• Юнивер (Вселенная)

Некоторые форматы получили свое название по шрифтовым или изобразительным водяным знакам на бумаге. Например: «большой орел» (74х105), «малый орел» (60х94), «виноград» (50х64), «раковина» (44х56), «венок» (36х46 или 37х47).

Стандартные размеры картин, плакатов и постеров
(европейский ряд, см):
18х24, 24х30, 30х40, 35х50, 40х50, 50х60, 50х70, 50х100, 60х70, 60х80, 60х90, 90х120.

Стандартные форматы картин и фотографий
( см):
21х29,7 (формат А4), 29,7х42 (формат А3), 32,9х48,3 (А3+), 42х59,4 (формат А2).

Размер картины

Размер картины выбирают в зависимости от величины помещения, потому, для её правильного восприятия необходимо оптимальное расстояние. Работы 70, 90 и более сантиметров по большей стороне (с учётом ширины багетной рамы) уместны только в просторных комнатах с высоким потолком. "Вертикальные" полотна зрительно делают помещение выше, "горизонтальные" как бы "расширяют" стены. Если гостиная не очень просторная, то лучше выбирать картины небольших размеров, максимум 50 см по большей стороне. Если свободного пространства на стене немного, можно повесить совсем маленькие "картинки" - меньше 20 см. Они хорошо смотрятся не только отдельно, но и группами по две-три картины. Авторские композиции из нескольких произведений, объединенные одной темой, нужно размещать рядом. Можно составить композицию из разных работ, но они должны быть выполнены в одной технике (акварель, темпера и др.) и обрамлены в одном стиле.